Keco Olano y Heidi Muskus son dos figuras clave del cómic colombiano contemporáneo, cuyo trabajo ha contribuido a consolidar una propuesta gráfica sólida y reconocible dentro del panorama nacional. A lo largo de su trayectoria, han desarrollado un lenguaje visual propio en el que confluyen el uso expresivo del color y una marcada influencia de su formación en arquitectura, visible en la construcción detallada de los espacios y la atmósfera de sus historias. Su colaboración con el escritor Mario Mendoza ha dado lugar a obras como Satanás, El último día sobre la Tierra, Lunáticos, místicos y psicóticos, entre otras, publicadas bajo el sello de Planeta Cómic, donde han contribuido a expandir el universo narrativo del autor hacia el lenguaje del cómic.
Además de su trabajo editorial, han participado en proyectos relacionados con el cine y la televisión, desarrollando arte conceptual para producciones como Los iniciados y Estado de fuga, lo que demuestra la cercanía de su propuesta visual con el lenguaje cinematográfico. Esta entrevista aborda los cambios que han marcado su forma de crear cómics, el papel del color, el trabajo colectivo con otros ilustradores y la influencia de su formación profesional en su proceso creativo. Asimismo, reflexionan sobre el camino recorrido junto a Mario Mendoza y comparten sus perspectivas sobre los nuevos proyectos que se encuentran desarrollando y las posibilidades que se abren en esta nueva etapa de su trayectoria.
¿Cómo han percibido la transformación en su forma de hacer cómics, desde sus primeras experiencias —como la adaptación de la novela Satanás— hasta los proyectos más recientes que han desarrollado y presentado con Mario Mendoza?
Keco. Bueno, nosotros llevamos casi ocho años trabajando en este proyecto y sí sentimos que hemos venido evolucionando, sobre todo en lo que es el estilo colectivo que hemos creado. Eso se da desde el trabajo técnico: cada vez que abordamos un nuevo proyecto nos preguntamos con qué técnica lo vamos a hacer, y nos damos cuenta de que eso lo determina el guion.
A veces hay guiones más realistas, otros más abstractos, algunos más urbanos o más cinematográficos. Como hemos venido experimentando con diferentes técnicas, eso nos da la posibilidad de escoger qué tipo de técnica va a tener cada proyecto, o si las vamos a combinar, o incluso diferenciarlas por capítulos.
Eso nos permite experimentar muchísimo y que la técnica, el dibujo y el color incidan directamente sobre el concepto del guion. Creo que ese ha sido parte del estilo que hemos venido construyendo: no nos encasillamos, tratamos de salir de la zona de confort y, como también trabajamos con más ilustradores, eso nos permite ser muy versátiles en ese sentido.
Heidi. Nosotros llevamos ocho años trabajando con Mario Mendoza y Planeta Cómic, pero antes de eso, Keco ya había publicado en revistas como Larva, y ya teníamos otros trabajos. También habíamos publicado un cómic en Random, con Reservoir Books, que se llama El taxista llama dos veces, con guion del escritor Antonio García Ángel.
En El taxista… ya trabajábamos en color y con distintas técnicas. Empezamos haciendo todo de manera análoga: lápiz y papel, pero con el tiempo hemos ido migrando poco a poco al digital, porque nos ayuda a hacer más eficientes muchos de los procesos. Eso nos permite trabajar más rápido y, al mismo tiempo, publicar en menos tiempo.
Como colorista, tú te encargas de esa parte con mucho control. ¿Te parece que el color —la manera de utilizarlo y de variarlo en ciertas historias— puede complementar la narración? ¿Crees que el color es otro aspecto más de la narración en las historias gráficas?
Heidi. Totalmente. No solamente la forma de utilizar el color, sino también la forma de utilizar la luz. Hay dos elementos determinantes. Tanto cuando escojo los colores —o escogemos, porque a veces lo hacemos en común acuerdo, buscando lo que más aporte al cómic— procuramos que la línea de color y la paleta vayan de acuerdo con el guion.
Eso lo notamos muchísimo en el último cómic que hicimos, Lunáticos, místicos y psicóticos. Por ejemplo, la paleta de Andrés es una paleta amarilla, porque buscábamos que este personaje, que tiene temas psiquiátricos, se moviera en esa línea del amarillo y la esquizofrenia. Luego tenemos la paleta de Yox 227, que es toda verde, porque él dice que es de otro planeta, entonces buscamos que la línea vaya también por ese lado, como en lo psiquiátrico, con tonos verdes pastel.
La paleta de Ángela, en cambio, es completamente explosiva en colores. Todo esto nos ayuda a reforzar la narrativa del guion. Así mismo la iluminación, porque no es lo mismo iluminar un personaje de abajo hacia arriba —lo que lo hace ver más macabro— que darle una luz que le otorgue un aura de tranquilidad o de un ser más pacífico. Todo eso lo aportamos a través del color y la luz.
Ahora quisiera preguntarte a ti, Keco. Ustedes han trabajado con un equipo de ilustradores invitados; de hecho, hay una dibujante cartagenera que ha trabajado con ustedes, Luisa F. Rojas, a quien también conozco. Desde tu visión, ¿cómo se traslada tu punto de vista gráfico a estos autores? ¿Cómo haces para que la idea visual que tú tienes de la obra se conserve, sin perder el estilo propio de cada ilustrador?
Keco. La herramienta para poder dirigir a todos los ilustradores es el storyboard. Creo que ahí es donde se concentra la parte más delicada de la creación, porque ahí se define, con bocetos, cómo van a ser los ritmos narrativos, los personajes principales, los tipos de cámara, la composición de la página, la diagramación.
Inclusive yo voy más allá y a veces hago pequeños diseños de personaje, algo de iluminación. Eso no representa una camisa de fuerza para los ilustradores, sino una guía sobre la cual ellos pueden dar libertad a su estilo, a su trazo, a su paleta de color. Pero hace que haya una unidad, que la intención y la esencia del guion no se pierdan, y que esa visión cinematográfica que yo tengo se respete.
Por eso se habla de un proyecto que tiene unidad, que gracias a la diversidad de técnicas y de ilustradores se mantiene como un proyecto colectivo. Incluso eso va más allá, porque ahora que hablábamos del color, ese storyboard luego Heidi lo traduce en el color script, que es el guion de color, para que todo esté controlado. Es importante que, cuando hay tanta gente trabajando, no haya ruedas sueltas y sí exista una consistencia en el trabajo.
Heidi. Nosotros hacemos estos color scripts para los guiones que desarrollamos juntos, pero los artistas también aportan sus propias paletas. Eso se nota, por ejemplo, en el trabajo de Luisa, ahora que la nombras. Ella tiene una paleta maravillosa.
Cuando ves la serie El último día sobre la Tierra, los cómics en general son oscuros o tienen una densidad gráfica fuerte, pero la paleta de Luisa es mucho más vibrante, y eso se nota desde la portada y en todas sus ilustraciones.
Ustedes vienen del mundo de la arquitectura, profesionalmente hablando. También se nota un cuidado especial en la construcción de los espacios: la ciudad, las estructuras, los edificios, los fondos. ¿Eso es producto directo de ese trabajo consciente del que hablan o es algo que aflora naturalmente por su formación en arquitectura?
Keco. Evidentemente somos muy obsesivos con la creación de escenarios, y para eso nos han servido mucho todas las herramientas que aprendimos en la arquitectura. Nos gusta crear maquetas virtuales para que ahí no solo se desarrollen las escenas, sino para poder controlar los recorridos de los personajes, los movimientos de cámara y planear de manera más precisa.
Incluso podemos hacer estudios de iluminación, porque controlamos cómo inciden las sombras en cada espacio y logramos efectos más dramáticos según la escena. Pensamos los edificios y los espacios urbanos como un personaje más, al que le damos carácter a través de la textura y la luz. Eso hace que los espacios vivan, que participen activamente en las escenas.
Heidi. Nosotros hicimos recientemente parte del arte conceptual de Estado de fuga, la serie que acaba de salir en Netflix, y antes habíamos trabajado en el arte conceptual de Los iniciados 1 y 2, las películas inspiradas en el universo de Mario Mendoza.
En esas escenas hacíamos maquetas y proponíamos ciertos tiros de cámara. Por ejemplo, el director de Los iniciados 1 decía: “Voy a hacer esa toma porque me gusta cómo se ve”, y recreando esas escenas logramos ese dramatismo.
Ahora, cuando uno ve Estado de fuga, hay una toma maravillosa que nosotros tenemos en el cómic de Satanás: la cámara pasa por encima de la iglesia de Nuestra Señora de Egipto. En la serie es exactamente igual: la hicieron con dron, porque se ve que les gustó tanto cómo funcionaba en el cómic que la recrearon tal cual. Eso es producto de recrear desde la arquitectura, usando herramientas arquitectónicas.
El cómic y el cine son dos medios que dialogan mucho entre sí. Aunque ustedes utilizan muchos elementos del cine —como el storyboard o la forma de narrar—, ¿qué creen que tiene el cómic como medio propio para contar historias que no tiene el cine? ¿Qué recursos sienten que le han sacado más provecho?
Keco. Obviamente el cómic tiene sus propios códigos. Nosotros utilizamos bastante la experiencia del cambio de página para crear sorpresas o expectativas en el lector. No hay nada más chévere que pasar una página y encontrarse con una página completa, un splash page; eso lo usamos mucho.
También la abstracción en las viñetas es algo muy propio del cómic. La utilizamos para mostrar ciertas escenas que necesitan dialogar de otra manera con el lector. Entonces nos desprendemos un poco de ese lado cinematográfico y buscamos más por la abstracción, por los dibujos esquemáticos.
Heidi. …y el collage. El collage es una de las herramientas que mejor nos funciona, porque gráficamente es súper interesante: mete tiempo, espacio y narrativa todo en una sola imagen. Además exige una participación del lector, para que recorra el collage a su ritmo y en su propio espacio.
Eso pasa también con los textos narrativos, porque dan varias posibilidades. Una es contar lo que está pasando en la viñeta, pero otra es que a veces los textos nos revelan cosas que están imaginando los personajes o que vivieron en el pasado, y eso lo contamos en paralelo a una imagen que aparentemente no tiene nada que ver con lo que se está diciendo. Esas son herramientas muy útiles en el cómic.
Ahora que el universo gráfico que han construido con Mario está tan consolidado y ha sido exitoso, ¿qué tienen en mente a futuro? ¿Han pensado en crear un estudio, trabajar con nuevos talentos o desarrollar otro tipo de historias?
Heidi. Claro, han sido ocho años de creaciones juntos y han sido ocho años buenísimos, tanto con Mario como con Planeta; hemos trabajado muy bien. Pero llega un momento en que todos buscamos otros caminos a nivel creativo.
En este momento estamos trabajando en dos cómics de autoría de Keko: uno que son tres historias cortas, y otro que es un cómic un poco más largo que enviamos a concursar a un certamen en México; vamos a ver cómo nos va con eso.
También estamos buscando nuevos talentos. Eso para nosotros nunca para, porque los proyectos siempre se nutren de nuevas identidades y de nuevas posibilidades. En el último cómic que sacamos, que se llama ¿Te acuerdas de la clave Morse?, trabajamos con un ilustrador nuevo, Pedro Cañón, de Medellín, y nos fue muy bien. También trabajamos con Juan David Peñaranda en La ética de los villanos, que fueron los cómics que lanzamos en SOFA. Siempre estamos buscando nuevos talentos y nuevas historias…
Su trabajo está muy enmarcado en géneros populares como el género negro, la aventura, la ciencia ficción o la fantasía. ¿Por qué creen que se ha dado eso?
Keco. Yo creo que eso se dio de una manera natural. Cuando hicimos los dos primeros, Satanás y El taxista…, que es claramente un género policiaco, eso venía definido por el guion. Además, la estética del claroscuro nos gusta muchísimo, entonces conectamos bastante con eso.
Cuando nos metimos en ciencia ficción era una obsesión que llevábamos desde hace rato y queríamos proponerla, como para contrastar un poco con el estilo de Mario. Todo el tema de la anticipación en El último día sobre la Tierra también se dio de manera natural, dictado por el guion.
No es que intentemos forzar cosas diferentes, sino que ha sido un proceso natural del trabajo. Ahora sí estamos buscando algo distinto en el guion que estamos desarrollando: humor negro y sátira. Eso se ha hecho muy poco en el cómic, y nosotros ya habíamos tocado algo de eso en El taxista llama dos veces, por el humor que maneja Antonio García. Queremos volver a ese tipo de género, que no se ha usado mucho en Colombia, y ver qué posibilidades tiene, aunque es muy difícil de hacer.
@drope.comics
También quería preguntarles por el formato que han utilizado, que es la serialización en cómics de aproximadamente 48 páginas. ¿Por qué apostaron por ese formato?
Heidi. Era un formato que nos funcionaba muy bien para contar historias autoconclusivas. Eran diez historias que queríamos que terminaran allí, en ese espacio. Es un formato tipo Tintín, más por esa línea de contar una aventura que se cierre en sí misma.
A nivel de papel no funciona exactamente como el europeo, porque aquí se imprime más en tamaño carta y no en A4, pero la idea era poder contar historias completas en unas 40 páginas. En 20 páginas uno se queda corto, por eso se vuelven seriales, y cuando son 60 ya es una historia mucho más larga y compleja, sobre todo para trabajar con ilustradores nuevos.
Para finalizar, ¿qué consejo le darían a quienes están dando sus primeros pasos en la creación de cómics?
Keco. Creo que lo más importante para hacer proyectos ambiciosos es formar colectivos, aprender a trabajar en equipo. Buscar guionistas, coloristas, dibujantes, investigadores, y que no haya egos, sino respeto por el trabajo del otro. Saber delegar es fundamental para que los proyectos fluyan.
También es importante buscar personas que no solo tengan la misma intuición creativa, sino que sean mejores, porque se trata de elevar el nivel. Pensar siempre en el bien colectivo para crear proyectos sólidos.
Heidi. Yo agregaría que, para que estos proyectos sean sostenibles, hay que tomarse muy en serio el compromiso. En el medio del cómic y la ilustración hay mucha informalidad: gente que no entrega a tiempo, que no cumple cronogramas.
Para que confíen en ti, no basta con que el producto sea bueno; es clave cumplir con los tiempos, mantener una calidad consistente desde la primera hasta la última página. Muchas veces pasa que las primeras páginas están muy bien hechas y las últimas ya muestran desgaste.
Al final, lo que te da es credibilidad y nombre, y eso es lo que permite que tu trabajo siga activo y que te sigan creyendo.
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